A Brighter Summer Day, The Woman Who Ran, Judas e o Messias Negro, Tokyo Ghoul 'S', Billie Eilish: The World’s a Little Blurry, Pieces of a Woman e Mais -Textos Letterboxd

Vamos para o terceiro post aglomerando alguns textos de tamanhos variados que postei no Letterboxd, com mais ou menos compromisso, nestes últimos dois meses e meio. Como venho tentando resenhar algo sobre todo longa que assisto, acabei acumulando bastante material. 

Para acompanhar tudo que assisto e escrevo, me siga no Letterboxd.

Organizados pela data de postagem. 

The Woman Who Ran (2020) - Hong Sang-soo

Descansei nos últimos 3 anos de Hong Sang-soo. No início da década, quando descobri seu cinema, fiquei pasmo. E até o início de sua parceria com Kim Min-hee, ele era muito perspicaz. Mas à medida que os filmes avançavam, eu me sentia cansado, pela repetitividade e estagnação dos temas. Mas talvez eu tenha assistido demais a seus prolíficos projetos nos últimos anos, então tentei levar algum tempo para descobrir se eu me maravilharia novamente com seus recentes esforços. 

Então, assisti a Hotel By The River, que foi uma experiência horrível e insuportável. Mau sinal. Mas eu deveria pelo menos tentar outra vez, como um ultimato. Então, entrei no Mubi e joguei The Whoman Who Ran ... Menos de 1 hora e meia depois, e teria meu veredicto ... e, bem, acho que definitivamente superei o diretor. Ao menos esta fase. 

Veja, quando o caso extraconjugal com Kim foi revelado, isso encheu Hong de energia e novas temáticas para seus filmes. E como eu disse, o começo foi interessante. Sua melhor era, eu diria. Right Now, Wrong Then e Woman On The Beach realmente tinham o que dizer, sabendo como, sem parecer verborrágicos, planos e circulares. aborrecidos demais. Mas então, ele se desintegrou completamente, a um ponto que apenas cruzou a linha entre a personalidade natural de suas obras posteriores, para um ensaio egocêntrico e autopiedoso.

Comparado com Hotel By The River, em The Woman Who Ran, pelo menos, há alguma substância e um assunto subjacente a ser discutido. No entanto, mesmo sendo o filme mais "feminista" e feminino dele em anos, evitando algumas cenas típicas de Hong, como jantares bêbados revelando a natureza real das pessoas, ainda é carregado de vitimismo e reclamações por trás das cortinas. Kim viaja por casas como um fantasma, conversando e vivenciando solidão e fraternidade com amigos, após 5 anos presa totalmente na companhia de seu marido desconhecido (um diretor de cinema, claro). Ela sempre diz coisas carinhosas e amáveis ​​sobre ele da maneira mais robótica e frívola. Obviamente, não existe amor e paixão reais, mas resignação e conformidade com a vida monótona dos casais modernos. Sem aventuras e transgressões, mas rotina e conveniência.

É por isso que ela sempre vê a natureza através de telas e quadrados. A liberdade é apenas ficção, como o mar, as árvores, inacessíveis ao toque. Mas não é como se ela fosse a vítima, mas também a culpada aqui. Não há nenhuma intenção real de se livrar de seus laços e de seu relacionamento, apenas algumas fugas rápidas. É como procurar a falsa adrenalina dos filmes de terror, a falsa busca pelo medo e pela emoção atrás da segurança de uma tela de computador ou de uma sala de cinema. Você quer a sensação artificial de emoção, mas não se compromete com as consequências reais.

Com isso, "The Woman Who Ran" nada mais é do que um filme de aparências, de pessoas presas a dilemas e protocolos sociais. Homens e mulheres vivendo uma vida de fingimento, desanimados e conformados por alcançar a verdadeira beleza da vida apenas através de uma janela, com medo de adotar a solidão como estilo. Superficialmente feminino, mas com pena total do diretor através dos homens em cena, covardes e bebês chorões, obcecado por mulheres e aceitando a humilhação para obtê-las. "Pobres delas, mulheres, por terem que morar conosco, mas também, pobres de nós, estarmos condenados a precisar delas. E principalmente, coitado de mim."

Felizmente, há um ar de renovação no final, já que Kim deixar o cinema como (espero) o ato final desse expurgo que eles se comprometeram a expiar desde o caso. Eu realmente anseio que sim, porque Hong saturou completamente o assunto. Para ele, para Kim e para nós, espero que a mulher realmente corra desta vez. 

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You Cannot Kill David Arquette (2020) - David Darg, Price James

Então, David Arquette é aquele cara simpático, caloroso e pateta conhecido como o policial da franquia Pânico, pelo qual temos um carinho sincero. É aquele rosto que adoramos ver de vez em quando em participações especiais ou papéis secundários rápidos. Mas ele não é um bom ator. E tudo bem. Todo mundo adora alguns atores ou atrizes questionáveis ​​por boas lembranças. Gosto de Hilary Duff porque ela era Lizzie McGuire, Miranda Cosgrove por causa de ICarly, e assim por diante.

Ele é um ator de overreacting. Funciona em Scream porque o filme pede e permite. Comecei a assistir este documento apenas por causa de memórias afetuosas. Nos primeiros 10min, sem saber para onde estava indo, fechei a porta porque estava constrangido. Esse era o David que eu conhecia. E ele meio que tem a mesma personalidade ridícula de Pânico ou do filme das aranhas gigantes na vida cotidiana.

Conforme o filme foi adiante, assim como os Pânicos, tudo fez sentido. Como cinema, o Wrestling é um mundo de fingimento feito, principalmente, para entreter. É um nicho mascarado. Uma vez superstar e agora esquecido, o esforço de David é triste e muito inspirador ao mesmo tempo. Ele está tentando seguir uma de suas paixões, para provar seu valor para as pessoas que um dia humilhou (aliás, eu não tinha ideia dessa história inacreditável), mas também para si mesmo.

Como retrato do coração e da humanização de um homem, o documentário é competente. Mas a visão mais interessante ainda é sobre as linhas que separam a ficção da realidade, ascensão e queda da fama, e essa vibe "Nightcrawler" sobre como a mídia que uma vez destruiu e enterrou você está pronta para lembrar de seu rosto no momento em que você der seu sangue e mostrar suas falhas. Uma indústria do sensacionalista. Ansiosa por retratar o que há de pior em você e sugar sua energia até que nada saia, e então se livrar do corpo após os primeiros erros.

Você não pode matar ou odiar David Arquette. 

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O Hobbit (1977) - Jules Bass, Arthur Rankin, Jr.

A antítese da trilogia de PJ. Se Peter estendeu e drenou o material de Tolkien além do necessário, matando a lógica e o ritmo de seus filmes, aqui temos o problema oposto: é apressado demais.

Eu realmente tenho uma queda por animações do tipo acetato. A textura é incomparável para as técnicas modernas. A nostalgia e a atmosfera sombrias tornam tudo mais melancólico, gótico e fantástico.

A semelhança com o estilo anime é muito distinta para o bem. A arte das paisagens é fascinante, mas em relação ao estilo dos personagens e das raças, eu tenho minhas ressalvas. Falta versatilidade. Talvez eu esteja estragado depois de anos com uma idealização sólida de como elfos e anões se parecem, mas aqui os anões se parecem muito com os da Branca de Neve, o que me distraiu e levou a seriedade embora. Talvez faça sentido dentro da ideia original de Tolkien, de que O Hobbit era um conto infantil. 

A técnica e a atmosfera aqui são geralmente mais sombrias do que no livro e refletem algumas escolhas. Smeagol é um dinossauro, réptil, muito assustador. Smaug é um felino. Mas no final, toda a atenção vai para os elfos de madeira. Eles são muito mais feios e maquiavélicos do que os trolls e orcs. Uma visão interessante, certamente nova e experimental, dos filhos de Illuvatar. Mas não posso dizer que gostei. O próprio Tolkien descreveu os elfos e eles, bem, não parecem ser seres tão malignos, grisalhos, cabeludos e esquálidos.

Acabei escrevendo muito sobre animação e visual, mas no final, mesmo que os elfos fossem mais bonitos, a questão principal é o tempo. Não há densidade e nem o desenvolvimento de personagens no tempo corrido. É como um jogo no easy. Nível após nível, subindo na classificação sem urgência ou ameaça real. Conhecendo os livros, é claro, deixa tudo meio previsível e repetitivo, mas mesmo analisando isolado como filme é bastante questionável

Estou mais satisfeito em assistir isso como um estudo e curiosidade do que artisticamente. Só fico triste por Tolkien, como fã, pois não existe uma adaptação equilibrada para O Hobbit, um livro tão divertido e cinematográfico. Um é muito longo e estrondoso, e o outro, mais curto que um pequeno Bolseiro. 

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Sem Dor, Sem Ganho (2013) - Michael Bay

A primeira hora aqui é a melhor coisa que Bay já fez, talvez porque pareça o menos possível com sua assinatura atual. A ideia de filmar tudo em videoclipe (além de servir de metalinguagem como uma piada) destaca ainda mais o conceito satírico de um princípio de fantasia que carrega o país, por todo o sonho americano, que serve tanto de armadura quanto de disfarce para permitir qualquer conduta em direção a um sonho impossível de riqueza e status por meio de trabalho duro. A coisa mais importante, em toda a história americana, e temos visto isso bem nos últimos meses com as eleições e a invasão do capitólio, é a imagem, não a realidade. Mesmo assim, o imigrante russo chega com a idealização financeira e se fode (literalmente também). E o latino rico que foge de seu país com medo de sequestro, abraça a ideia da segurança de um país desenvolvido e ... acaba sequestrado.

Por isso, Pain & Gain é um filme iconoclasta.

Claro, o trio de músculos é ignóbil e desprezível, mas há uma visão em que eles, especialmente Dwayne e Mackie, também são vítimas e consequência de um falso sistema criado por uma elite para justificar seus privilégios e vender a ideia de meritocracia e trabalho árduo. Uma maquiagem estética para camuflar a vulgaridade interna de uma nação corrupta - literalmente, de banqueiro a padre.

Pena que a segunda metade, apesar de não abandonar essa ideia e continuar apoiando tudo na narrativa, se torne um pouco mais “bayish”, e seus maneirismos exagerados que fizeram muitos estigmatizar seus projetos. 

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Tokyo Ghoul 'S' (2019) -  Takuya Kawasaki, Kazuhiko H. 

Um filme covarde. Restringe-se de abraçar o absurdo e a natureza ridícula de sua fonte original. Até os últimos 30 minutos, parece mais um filme de artes marciais, um muito ruim e barato.

O CGI não melhorou com isso. No final das contas, sua única função é fazer com que o primeiro não pareça tão horrível, e até mesmo dando um ponto para o Death Note da Netflix e sua abordagem que ridiculariza otakus. 

A diferença é essa. Death Note mostra otakus como eles realmente são, e Tokyo Ghoul, como eles pensam que são. O tema filosófico do mangá explica de todo, de forma muito simples e sem nenhum passo adiante a superfície para fazer uma analogia com a Metamorfose de Kafka. É óbvio que o mangaká leu um resumo e deu por certa a mensagem. Bem, a equipe aqui também não leu. Simboliza perfeitamente o público principal que dá aos shonens toda a atenção que recebem, assumindo certa maturidade e esperteza ao ver sangue e referências literárias sem explorar o terreno fora um esboço indolente.

Ambos são péssimos, mas um meio que quer ser vergonhoso. Aqui é simplesmente insuportável suportar.

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Framing Britney Spears (2021) - Samantha Stark

"#FreeBritney ativista"

Sendo alguém completamente ignorante em Britney, e uma criança quando ela teve o breakout e decadência, posso atestar que isso foi muito convincente na construção de uma ideia terrorista, como se houvesse uma refém sendo mantida por forças criminosas, incapaz de contar sua própria história . O que basicamente resume tudo ?! Acho que terá mais valor no futuro, além da especulação, quando ela realmente sair de tudo isso e puder mostrar sua voz fora dos tratos musicais. 

O que mais me impressiona, porém, é o quão hipócrita e falsa a mídia pode ser. Não apenas os paparazzi e "TMZ", mas todos. Tristeza e tragédia vendem mais do que boa fortuna e beleza. As pessoas compram o sofrimento dos outros como um esporte, principalmente famosos, para se sentirem bem por serem elas mesmas e seus pecados. E quase duas décadas depois de arruinar ou pelo menos mudar a vida de Britney de forma irreversível, decide abraçá-la de volta. Isso é a mais desprezível autopiedade, tão deplorável. É um círculo do mesmo comportamento que destruiu sua imagem e sanidade antes, novamente tentando se sentir melhor dando as boas-vindas a um artista derretida.

Como sabemos onde fica a linha entre a sinceridade e a propaganda?

Fico feliz em ver que Michal Moore estava certo o tempo todo. Ele e o cara de "Deixe Britney em paz". Finalmente vingado. 

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Judas e o Messias Negro (2021) - Shaka King

O melhor filme é visto pelos olhos de Lakeith. E que ator incrível ele é. Ainda bem que ele está conseguindo protagonismo e papéis fortes, não apenas os empregos secundários que marcaram sua carreira até aqui.

O inicialmente indiferente e ladrão de carros barato se transformou em um informante para compreender progressivamente as lutas em que está imerso e a realização do que está fazendo não por si mesmo, mas pelos outros e pelo movimento. O suicídio mais tarde informado diz tudo.

Não que Kaluuya não seja ótimo também. Ele é sempre uma força da natureza e abraça bem a parte messiânica. Mas a história em si é mais forte do que a forma como é contada. E isso não é um elogio. Claro que algumas narrações são poderosas sozinhas e pedem uma visão mais sóbria. Mas, além da burocracia, é onde tentar reforçar a história real por meio do filme. Por cinebiografias ou ficções, é o que dizem os legados. É por isso que Moonlight, Run e Malcom X são mais lembrados do que Selma, Hidden Figures e The Help.

O choque e o discurso social são enfurecedores E frustrantes, mas que melhor maneira de mobilizar do que ir além da ilustração? 

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Billie Eilish: The World's a Little Blurry (2021) - R.J. Cutler

Eu gostava muito de Billie em 2019. Ela foi, de longe, minha top artista no spotify naquele ano. Eu tinha 23 anos, e ela 17.

Agora é 2021 ... ela tem 19 e eu, 25. Eu quase não ouço ela hoje em dia. Não gostei muito de suas canções depois do tema de Bond. Mas à medida que o filme se aprofundava em sua vida e as músicas eram tocadas, as letras e as emoções emergiam de dentro, e eu era um não tão jovem fã dela novamente. Meio como Orlando Bloom, e é claro que ela também não me conhece (infelizmente, eu não sou um cara que Katy Perry acabou de conhecer, e estou um pouco ofendido por ele ter sido apresentado como Will Turner e não Legolas).

Com isso quero dizer, lentamente, o documentário vai direto ao coração. Muito pessoal como um retrato do estrelato e da juventude hoje em dia. E invejo a empatia de sua mãe sobre como os jovens têm vários motivos para estar deprimidos hoje em dia. Os meus acham que se deve a eu ser um vagabundo. 

Quando ouvi pela primeira vez sobre a produção dele, fiquei desconfiado. Sério, um doc de uma adolescente que mal viveu? Mas aquela parte em que ela fala para a multidão sobre o presente diz tudo. Billie Eilish tem apenas 17 anos, 18 e 19 agora. Ela está apenas experimentando o boom do estrelato agora. Talvez ela nunca seja tão famosa e amada novamente. Seria realmente inútil focar nos últimos 20 ou 30 anos a partir de agora. A perspectiva do presente só é possível agora, seja supérflua ou profunda.

Intenso e genuíno, às vezes bobo e caloroso só por causa disso, "The World's a Little Blurry" oferece os motivos pelos quais Billie é amada, mesmo sem nossa percepção. A um ponto eu estava chorando muito por ver Justin Bieber como se o amasse (eu realmente não amo). 

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Pieces of a Woman (2020) - Kornél Mundruczó

A sequência de abertura em plano sequência é incomparável para o resto do filme, o que é ruim, mas apenas alguns poderiam reivindicar tal qualidade. É um tour de force, cinematograficamente, mas principalmente, metaforicamente na figura de Vanessa Kirby, representando muito mais do que apenas sua persona individual, mas a culpa feminina enfrentando as expectativas da maternidade e lidando com a perda e o luto pelo filho.

Tudo envolve as mulheres aqui. Mãe e filha, mas também irmã, prima e a parteira. Um juiz homem decide seu futuro e o preço de uma vida.

Mundruczó, o diretor, e Kata, a roteirista e sua esposa, são húngaros. Já li algumas das entrevistas deles, sobre referências, inspirações e, mesmo que previsíveis para os nascidos no leste europeu, falam muito sobre o cinema soviético. Uma escola de imagens longas, poéticas, reflexivas e silenciosas. O melhor de Pieces of a Woman carrega esse peso, infelizmente nem sempre. Mas mesmo após o início monumental, existem momentos poderosos, silenciosos e meditativos. Quando Martha finalmente se vê como uma mãe segurando seu filho, ou diante da parteira (uma performance curta e memorável de Molly Parker), segurando a mão de sua própria mãe (outra performance tocante de Ellen Burstyn - e eu odiaria saber que a presença de Shia prejudicou as chances do filme na temporada de premiações).

O que mais me atormenta, no entanto, é o quão mundana eles tornaram a experiência - começando pela sequência inicial para nos colocar da maneira mais excruciante e dolorosa possível (sim, falando sobre nós, outros homens), e quão irrelevante sua dor é para o mundo, incompreensível ou mal julgado até mesmo dentro de sua família. A dor de um universo inteiro dentro dela, mas a vida nunca para. Isso é tão banal e injusto, e o filme capta bem o sentimento de impotência que a vida nos faz passar. 

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A Brighter Summer Day (1991) - Edward Yang

Are You Lonesome Tonight?

Um dos filmes que mais aguardei para ver em minha vida, esperando pelo momento certo, a vibe correta. No dia 19/03/2021, coincidentemente no Verão, achei que fosse a hora.

E eu nunca me sinto tão pecaminoso em minha vida por não ter me engajado com ele. Isto, entretanto, fala mais de mim do que da obra. De nosso tempos que nos moldam em narrativas rápidas e de edição frenética, de rotinas desgastantes que oportunam a ansiedade. E é difícil, diria impossível, ser imerso por 4 horas numa só narrativa sem quebrá-la fisicamente para ir ao banheiro ou comer, ou simplesmente por divagar e se desconectar da trama.

Uma experiência sempre prejudicial mesmo que se veja um longa de heróis. Nesta epopeia pessoal e trágica de Yang, então, acredito que seja bastante danosa à experiência linear e formalista de modo irreversível para uma primeira assistida. Logo, me sinto tremendamente sujo.

Assim como todo filme de sua natureza, entretanto, é bem óbvio que Brighter Summer Day se torna cada vez melhor conforme se pensa sobre ele, se aprofunda uma ideia ou descobre ferramentas perdidas enquanto se assistia. Pois se Deus existe, Yang foi certamente um de seus favoritos.

Tematicamente, há bastante semelhança com sua própria miscelânea, assim como disseminado por todas as ondas do cinema de Taiwan, especialmente a segunda. Mesmo que não se retrate um período histórico, é um senso de desolação e despertencimento, uma realidade fugidia e isolada em meio a um período que clama por significado, interações e grupos.

É fácil realocar, e tanto Yang, quanto Hsiao-Hsien e até Wong Kar-wai, visto que os cinemas das colônias chinesas se aproximam bastante sensorialmente, fizeram de modo magistral em transpor em determinadas eras os gapes geracionais de uma sociedade perdida e corrompida, esfacelada e sem perspectivas. Na virada das décadas, do século, ou de país.

Nisto, o cenário de A Brighter Summer Day serve tanto como um perfeito retrato histórico, quanto alegoria contemporânea (mesmo 30 anos depois), até uma provocação. As primeiras gerações crescendo sob o regime militar do Taiwan pós-fuga da república, escapando de um "aterrorizante" e "mortal" comunismo, para abraçar uma nova vida, num novo território, perdendo todas suas posses e status, recebendo como gratidão do governo o autoritarismo e a repressão militar. Há muita pouca diferença, e certamente não o que eles esperam. Sofrem os pais, asfixiados, perdidos, mas principalmente seus filhos, que constroem agora sua personalidade e visão de mundo numa terra estranha, hostil e soturna.

A alternativa, o recurso vem nas gangues. Tanto pela camaradagem como pela ilusão de controle, de domínio sobre você mesmo e seu futuro. É um sistema moldando delinquentes e os deixando completamente sem opção fora a violência, pois é tudo que eles vêm, e a única chance palpável de conseguir algo.

E ela é também inescapável. O protagonista, seus amigos e seu desejo amoroso, todos são sugados, assim como o tufão, por tempestades de desgraça, massacres e abandono. Apanhar ou bater é rotineiro e a escolha que devem fazer. Não existe a neutralidade, pois a omissão é punida pelo governo, como acontece com o pai de S'ir, que age com rigidez e superioridade, até ser amordaçado pelas forças armadas, como também é facilmente descontrolado e levado a um estado primal de agressividade. A brutalidade é endêmica.

Mesmo que terrivelmente triste se refletivo e em seu final, porém, Yang não é condescendente nem apocalíptico, somente um observador rigoroso e formal das casualidades que naturalmente caminham para o pior cenário possível. Nisto, entretanto, o maior mal é o que foi liberto da caixa de Pandora: esperança. É assim que um rádio quebrado segue sendo insistido para funcionar e trazer alguma civilidade e senso nostálgico de pertencimento e lembrança de sua terra natal. O aguardo por um nome que nunca vem, e mesmo que sim, não mais simboliza nada.

Não faz nenhum sentido e o mundo jamais entrega. S'ir, ele próprio, conforme amadurece em indignação e raiva, clama por uma justiça e questiona a existência divina que permite um mundo assim. Mas ninguém o entende, e ele não entende ninguém. Todos são egoístas e hipócritas, ele incluso. Ming o traiu, mas ninguém a ama de verdade e tentam moldá-la por uma idealização.

O personagem mais puro, então, é o pequeno Cat, o fã caloroso de Elvis Presley, mesmo sem entender o que as letras dizem, somente importando a melodia e os sentimentos. Não há razão por trás de se esperar nada dali, somente fé. Ele é o grande rebelde que vemos no protagonista de A Straight Story, de Lynch. Um homem que enfrenta um estado universal e onipresente de calamidade com fé e esperança.

Uma fé recompensada com seu sonho jogado na lixeira, sem que ele saiba.

Sonhos invisíveis que são destruídos sem percebermos, e a avidez eterna e incorrigível de que algo pode melhorar, que o o dia pode, enfim, ser mais belo.

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Instinto Selvagem (1992) - Paul Verhoeven

Que gênio. Claro que a referência óbvia é o Vertigo de Hitchcock, mas o que realmente vem à mente em termos de atmosfera e símbolos é Fincher. O diretor que "acusa" todo o seu público de pervertidos.

O mundo deveria redescobrir o Instinto Básico nesta era análogo _a Gone Girl. Stone caminhou para que Rosamund pudesse correr. É triste que o principal legado dessa obra seja a cena das pernas de Sharon. Mas Verhoeven deve rir, talvez ainda esteja rindo de como ele estava certo.

Somos pervertidos. Espelhando-se no policial tóxico, frágil, abusivo e problemático de Douglas, um estuprador, alcoólatra e viciado em drogas apenas para pegar a loira suspeita e magnética. A femme fatale de Stone sobe no ranking por isso.

A hipocrisia de um homem da justiça, ou homens. Uma tese freudiana e confirmação do sexo como disputa de poder e controle. A primeira relação sexual entre Douglas e Sharon simboliza tudo, um homem tentando recuperar o controle apenas para aceitar ser envolvido pelo prazer da transa.

Recentemente, Stone escreveu na biografia que ela foi induzida a mostrar sua vagina. Uma personagem que a tornou famosa, mas também condenou sua carreira como atriz dispensada assim que a juventude se foi. Com isso, até o diretor é objeto de sua própria teoria. Talvez ele soubesse disso. Que idiota, uma piada. Um gênio. 

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E é isso, meus queridos e idas. Espero que curtam os filmes, caso os assistam. Até a próxima! E não esqueçam de seguir minha página no Letterboxd.